《乐队的夏天》这个小众音乐节目，正如它的名字一样，席卷了这个燥热的夏天。

开播至今已经7期，豆瓣评分由开播第一期的7.3分，第二期7.7分，到现在一路攀升到8.5分。

知乎上知友推荐率为82%，远超同期音乐类节目（我是唱作人64%、中国新说唱63%）

36氪在不同的栏目中，连续3期节目讨论了这个节目。

微博上更是得到了几十位大V的支持和转发。

也成了年轻人茶余饭后的话题，好的音乐作品也在各大音乐平台上得到疯狂的安利和转发 。

01

为什么流行

实在可以说是这个夏天现象级的“宝藏综艺”。因为这个节目的话题实在是太多太多。

从对作品本身的评价，涉及到大众与小众的音乐审美水平的探讨，到摇滚音乐乐理知识的普及；

从乐队这个从黄金年代到今天变成一个小众的存在，他们的生存现状的观察，到整个乐队乃至音乐行业的发展现状；

从节目本身的制作，到整个节目赛制的设置；

这一切都充满了话题性，供大家争议、讨论、消遣。

这确实是个神奇的节目，它几乎兼具了一个高度传播的内容所具备的大多数属性：

它的所有元素为人们提供了一种社交货币，成为一种谈资；

以现场气氛的冲击力和表现为鲜明的表现形式，极大的唤醒和触发了人们的自我的情绪和参与感；

乐队人那些台前幕后的事，在梦想与现实之间的那些挣扎都成为一个个故事，广为流传；

被这些因素包围的音乐作品的惊艳呈现，又成为了一种公共性的符号广为广播。

于是，它就这样，“火”了起来。

这个节目，为乐队这个群体提供了一个非常好的窗口，把这群个性鲜明，充满洞察力和才华的一群小众的人，推到大众面前，接受大众的讨论和关注，让更多的人了解乐队的作品，了解乐队生存状态本身，了解摇滚音乐。

实在是已经达到了节目的目的。

02

争议的价值

从节目第一期开始，马东就说，这是个没有业内权威的领域。因为从艺术审美本身，很难区分高低，大众和小众也并不能代表音乐审美的高低。

所以每期节目投票的结果都会引起一番热议，也是可以理解的。

标志性的事件之一，是第4期痛仰乐队的《我愿意》，在台上引发了一场音乐圈关于“流量和口碑”的一番激烈讨论，现场的专业乐评人说“改编有点松散”，最终的投票结果也是让痛仰惨遭淘汰。

但音乐人张亚东则认为：

“因为资源的配置不公平，给乐队的机会就是太少了，而且每一个平台都是大明星、流量艺人，非常俗。但是这是现实，大家就是要流量、流量。”

台下又引发了一场关于大众音乐审美水平高低的讨论，因为从专业音乐人的音乐审美和技巧判断来说，这个作品改编的实在是很“高级”和“美”。但是大众的审美提高，是需要一个漫长的教化和熏陶的过程的。

又引发了一个对于“大众”和“小众”的讨论，是否应该让自己喜欢的“小众”作品和乐队“占为己有”，以显示自己独特的品味和独一无二。

标志性的事件之二，就是第7期关于排名倒数的三名乐队（新裤子、海龟先生、旅行团）的改编，引发的对于摇滚是否应该“出圈”的理解。

“摇滚”是否应该保持那种传统意义上，一被人提起就想起“愤怒”的表达方式？跟“流行”相关的东西是不是就是俗的？是应该在传统的表现方式中固守，还是应该与时俱进，开放、包容、融合当下的音乐元素，保持创新？

正因为，“摇滚”或者说艺术审美这种艺术形态，是没有一个固定评判标准的东西，也没有一种放诸四海而皆准的权威专家，所以这一切都没有固定的答案。

但是其实，摇滚不需要被定义，能被定义的东西，就丧失了想象力和创造性。而艺术需要生命力，需要源源不断的创造与创新，它的美就在于，随着时代的发展，它注入了更多新的元素，更多样性和多元化的表达和呈现，它无法被定义。

所以这些争论，不需要有一个固定的答案，也不会有一个固定的答案。但重要的是，他们开始被关注、被注意、被讨论，被推到公众视野。

03

一群“怪人”

这节目做到了，让更多“乐队盲”开始了解摇滚类型，知道什么是朋克、funk、雷鬼、重金属、爵士。什么是"插电、不插电”等基本的音乐知识。

了解了这一群外在狂热，内心腼腆的可爱的人。对外一副怼天怼地的气势，面对“女神”却害羞到脸红；

看起来都那么的格格不入，有自己鲜明的个性，又那么的敏感、脆弱、热情、温暖。

他们对于音乐创作的专注、“偏执”，会因为意见不一致而争吵。乐队成员来来往往的更替，大多数乐队的命运不是因为失败，而是因为解散。

他们又像一家人一样，但又各自是独立的个体。

他们拥有强烈的审美、独立的艺术与鲜明的个性，以独特敏锐的视角洞察了这个时代。

皇后乐队的主唱曾说：“我们是四个格格不入的另类，做音乐给其他另类听，他们是缩在房间角落里的边缘人，心里清楚自己不合群。我们是属于他们的乐队”。

新裤子主唱彭磊说，所有乐队都是因为“不开心”而组的乐队，不并不是因为“开心”，在唐朝、黑豹这些老牌乐队鼎盛的摇滚的黄金年代，大家都有些东西埋在心底，却又无法说出口，但是当时又没有更好的宣泄出口，于是乐队就成为了这样一个出口。

乐队的形成，首先是为了表达自我，其次也为一部分人发声，他们是用作品寻找同类。他们唱进别人心里，让人有归属感，这也成为了属于他们的成就感。

那些能打动人心的作品，一定是作者内心真诚想表达的东西，一个发自内心真诚的东西，首先能感动自己，才能真正打动别人。真诚永远是最好的态度。

“那一刻我就是我注定要成为的人，那一刻我无所畏惧”——弗雷迪-莫西里

04

乐队的夏天会来么?

这些乐队的成员，大多数都是当做副业来做乐队的，因为这件事本身，对于大多数乐队来说，并不能维持生活，所以大多数乐队成员都有一份“正业”，乐队作为一个兴趣爱好，和情绪的出口而存在。

而那些拥有才华，却并不能靠做音乐来维持生活，还在理想和现实边缘挣扎的人，大多数都是靠在livehouse或者酒吧演出，赚取报酬。

如果运气好的话，会签约经济公司，继而出专辑，进行商演（巡回演出，电视节目）。现存的商业模式，可以让他们活的更容易么？

在商业化的过程中，也会遇到很多问题，需要做很多的妥协。

如果观众听不出差别，是否要假唱呢？是否为了更畅销，来迎合大众审美？还是应该坚持自己，引领大众审美？

无论是什么行业，都有很多问题和矛盾等着被解决。而这些问题，反映出的，是一个社会的问题。

而这只是个综艺节目，是有它的制作周期和生命周期的，它无法承担推进一个行业的发展和繁荣的重担，乐队的未来也不会因为一个节目而有大的转变。

但这个节目能做到的是，让乐队得到更多的关注，讨论，让他们的生存现状得以展示，让他们的作品得以更多的曝光，让他们更受欢迎，获得更多哪怕只是短暂的热度。

实际上，确实有很多乐队因为这个节目获得了更多的演出机会，比如面孔、刺猬、click#15等，让这些宝藏乐队被更多的人喜爱，赚的更多的钱，才能更加心无旁骛的投入到创作当中，而不用为生存本身发愁。

艺术作品的创作是需要一个稳定的物质基础作为保障的，无论哪种艺术形式（文字、音乐、视频）好的作品的创作都是需要时间孕育、打磨、精雕细琢的。而艺术工作的收入又是十分不稳定。

其实很多能长时间坚持下来的乐队，很多成员的家庭条件是比较好的，最起码是可以让他们无需担心衣食住行，没有基本的生存压力。

单亲妈妈石璐在采访中说，她爸爸为了让她跟她女儿过的更好，在西双版纳买了套房；而大多数存在时间比较久的乐队，比如新裤子，刺猬成员多数是北京土著，他们不用为基本的生存担忧。

这就留给他们更多自由和弹性的空间进行创作，去感受孕育灵感，去真切的表达自己的情绪。

包括很多文人也是一样。香港作家陈冠中，在一次节目中表示，他目前在北京常住，写小说，他在北京的生活花费全部是来自于房租，他当年要跟女朋友结婚的时候，在香港买了一套房，后来女朋友放他鸽子，房子就留下来了 ，辛亏有这一套房子，才可以让他一直在北京维持生活，心无旁骛的安心创作，才会有诗歌和小说。

这样的例子还有很多很多。所以文学创作者也好，音乐家也罢，他们需要被看见，关注，认可，热爱，从自己作品中获得更多的版权收入。

世上从来就不需要才华横溢而又穷困潦倒的文人墨客和艺术家。

我希望我喜欢的人，她们站着赚尽世间银钱，才华都浪费在该得的声名上。我不要她饱尝时代的狭隘和困苦，生前无人问津，徒留身后名。

文章首发于微信公众号“边缘之边”