卢浮宫博物馆：欣赏美女如云的名画

————西班牙、法国圣诞之旅（26）

卢浮宫收藏和展出的历代绘画，女性形象的描绘几乎占据主导的地位，包括许多不同类型女性的肖像画，还有众多源自《圣经》的宗教故事和古代神话传说的女性人物。按照当时绘画界的规矩，裸体女性的形象只能出现在宗教故事和神话传题材的画作中。根据介绍，其实这些绘画创作时都是有生活原型或人体模特儿为写实蓝本的。这类画作是以人性表现神性？还是借神表现人？以专业艺术的角度去阐释、去理解其中的内涵蕴意，还是很费口舌的。我认为，作为一位普普通通的游客，大可不必纠结于此，来到卢浮宫，就凭你的眼睛去观赏，去感受，怡情悦性，养眼娱乐，足矣！——那可是人世间最美丽动人的女性之美！

关于参观卢浮宫的艺术的观感，已有许多网友作了很详尽和专业的介绍，我这几篇博文，只是一位对艺术很外行的普通参观者的一点自己的感受，很乐意与大家分享。欢迎扩展阅读：

卢浮宫与凡尔赛宫：绘画中的“宏大叙事”——西班牙、法国圣诞之旅（25）

卢浮宫雕塑的帅哥靓女，永恒的古典美——西班牙、法国圣诞之旅（27）

《蒙娜丽莎》，卢浮宫绘画中的头号美女。她那神秘微笑，每天都吸引众多观赏者，这里是卢浮宫永远人气最旺的展位。

达·芬奇，这位文艺复兴时期最著名的意大利画家晚年是生活在法国，他应法国国王弗朗索瓦一世之邀，来到法国定居，据说他是在赶来的弗朗索瓦一世怀中咽下了最后一口气。这也从一个侧面反映法国历代君王对艺术和艺术家的重视，（后来，法国新古典主义大师安格尔据此1818年绘制油画《达·芬奇之死》，也收藏在卢浮宫）这也容易理解，达·芬奇这幅最伟大的作品为什么会收藏在巴黎卢浮宫。

《蒙娜丽莎》现在是巴黎卢浮宫的三件镇馆之宝之一，(另两件是雕塑《维纳斯》和《胜利女神》。

达·芬奇《圣母子与圣安娜》，约 1513—1515年

《圣安娜与圣母子》绘画的传神，如果仔细观察，达芬奇的圣安娜与圣母子，三个人的眼神是各不相同，圣安娜是慈祥，圣母是摒弃感情的圣洁，而圣子则是超越年龄和活动的慈爱和坚毅。这种细致的刻画，将这一幅与其他家庭场景区分开来，看到他的人会第一时间感到它的与众不同，亦是不可言喻的神圣和光辉充满画面。——其实，更容易让人理解的是，画面表达了一种人间家庭的天伦之情！

1484年意大利画家桑德罗.波提切利（1445～1510年）：《站在博雅七艺面前的年轻人》（Young man (Lorenzo Tornabuoni ) before the Seven liberal arts），1484年

画中的维纳斯领着年轻人来到博雅七艺面前，希望他能学识广博。

博雅七艺（Seven Liberal Arts）是指：文法（Grammar）、修辞（Rhetoric）、逻辑（Logic）、算术（Arithmetic）、几何（Geometry）、天文（Astronomy）和音乐（Music）

意大利画家弗拉·菲利波·利比 （Fra Filippo Lippi 1406-1469），《圣母子被天使围绕》

《圣人环绕着圣母圣子》。意大利佛罗伦萨画家弗朗西斯科·佩塞利诺（Francesco Pesellino，或称Francesco di Stefano，1422-1457)

意大利画家安德烈亚·曼泰尼亚的《帕那索斯山》， 1495—1497年布蛋彩画

14世纪 90年代，曼托瓦侯爵伊莎贝拉·埃斯泰向年事已高但依然活跃于画坛的艺术大师安德烈亚·曼泰尼亚订购了两幅画作，用以装饰她个人的小书房。这位女侯爵亲自选定了画面应表现的内容与主题，包括透过优雅的人物形象表达丰富的象征意义、寓意和混合而成的故事情节，并且除曼泰尼亚外，还委托罗伦佐·科斯塔和佩鲁吉诺再分别绘制一幅作品。这四幅画如今被卢浮宫悉数收藏。《帕那索斯山》，又名《欢愉中的马尔斯与维纳斯、维纳斯的丈夫伏尔甘、弹奏七弦竖琴的俄耳甫斯及九位舞蹈的仙女》，是这组作品中最先完成的画作。可以想象得到，当它被挂在书房中后，伊莎贝拉以欣赏的目光望着画面中衔接流畅的人物形象和他们舒展、会聚、相似和呼应的肢体动作，以及飘舞的褶裙、长矛、手杖、山石和枝叶，满意之情溢于言表。画面左侧一对谜样的图案被认为隐含着神话的色彩，传说缪斯女神的歌声引发了火山喷发，也就是左侧山峰顶部的崩塌。不过，墨丘利的坐骑——长有双翼的飞马珀伽索斯能够通过踩踏地面制止这场灾难。

意大利画家洛伦佐.科斯塔（Lorenzo Costa）（1460-1535）的《缪斯的世界》，创作大约在1505-1506年间。这幅画描绘了文艺复兴时期的艺术家与九位缪斯女神一起狂欢的场景。

《莎乐美接受约翰的头颅》，意大利 贝尔纳迪诺·伦尼 （(1480-1532年），创作于1510年

描绘的是圣经题材。希律王与兄妻埃洛特通奸而为约翰所斥，记恨在心，一天希律王生日欢宴，乘兴许诺女儿莎乐美要什么给什么，女儿问母亲要什么? 母亲埃洛特提出要约翰的头。希律王对约翰一向有敬畏之感，自己既已出言无法收回，即下令取约翰的首级。画中正是描绘这一情节。

画家以半身特写造型，并没有渲染残忍的悲剧场面，而是借描绘人物的肖像。两个一交一接的手势稳定了画面构图，而莎乐美转首向外，似乎与人物的神情并无联系。画家着意描绘一位年轻貌美的妇人倒成了画中主题。

莎乐美肖像式造型具有善良美丽的面貌和丰满充盈的身体，表现出画家坚实的造型功力。这里宗教内容不是画家所要表现的主题，而表现人和描绘人的美貌才是主要的。

兰伯特·苏斯特利斯《维纳斯、丘比特和马尔斯》， 1548—1550年

丘比特的出现，使这个女性形象的爱神维纳斯的身份不言自明。小爱神将他的箭指向了一对鸽子，而鸽子是维纳斯最典型的象征物之一，传说中通常伴随其左右。从画面右侧走来的那个战士是战神马尔斯，他是维纳斯的情人。这幅画如果被挂在陈列 16世纪意大利绘画名作的展厅内，并不会让人感到意外。兰伯特·苏斯特利斯（或名“来自阿姆斯特丹的兰伯特”）是“意大利式”画家的代表人物，他对意大利绘画如此倾心和投入，以至彻底实现了从北欧风格向意大利风格的渗透转变。他的作品完美地吸收了威尼斯画派的风格，而这种画风是他自 16世纪 30年代中期作为风景画能手进入提香的画室后，向提香习得的。兰伯特一直留在提香的身边，并于 1548年和 1550年两次陪同大师前往奥格斯堡，接受查理五世的召见。很可能正是在此期间，他应富有的富格尔家族的委托，绘制了这幅以维纳斯、丘比特和马尔斯为题材的油画作品。远景中的自然景色具有极为明显的北欧绘画风格特征——辽阔的全景、深远的画面空间和明亮而独特的环境氛围，而维纳斯身后的帷幔则是借鉴了提香的《乌尔比诺的维纳斯》。不过，兰伯特笔下维纳斯的姿态造型与提香作品中那位端庄拘谨的爱神存在着很大的不同，反映了画家对帕尔米贾尼诺画的那些神情倦怠、体型修长的人物形象有更为浓厚的兴趣。兰伯特后来再没有回过荷兰，他在帕多瓦定居下来，并在绘画事业上取得了成功，被公认为“绘画才能卓著的”、伟大的色彩画家。

意大利画家保罗．委罗内塞（Paolo Veronese，1528－1588），《女人小孩和狗》，创作年代：1546 -

1548年

法国画家 安格尔《大宫女》，创作于1814年，画作描绘了具有强烈东方情调的土耳其宫女的裸体形象。为了凸显女性背部曲线的优美，他故意拉长人物的腰身。古典主义画派追求古典理想化的平静肃穆只美，这幅《大宫女》就完美地体现出安格尔的美学追求。

安-路易·吉罗代·德·鲁西-特里奥松《阿达拉的下葬》， 1808年画布油画 207 × 267 cm 1818年购买收藏《阿达拉的下葬》是王朝复辟时期购买的画作，最初收藏在卢森堡宫。在当时，这座宫殿刚刚被改造一新，成为一座面向艺术家们开放的博物馆。虽然这幅画创作于 10年前的拿破仑时代，但它并没有因此被视为一件危险之物，因为它的主题取材于当时最受欢迎的小说之一——夏多布里昂的名著《阿达拉》，与大革命无半点瓜葛，不存在任何政治或世俗隐喻。《阿达拉》出版于 1801年，讲述了发生在两个“野蛮人”之间的凄美的爱情故事，其异国情调吸引了后来的许多画家，为他们提供了创作灵感。夏多布里昂运用于文学作品的题材也被艺术家运用到了画作之中，忧郁而柔和的色调和强烈的明暗对比无疑是前期浪漫主义的风格特征，既富于戏剧性，又温情伤感，与更为理性的新古典主义风格在作品中相得益彰。吉罗代画完这幅作品后，次年又为夏多布里昂绘制了一幅著名画像，生动地塑造了一种全新的艺术家形象——一个头发蓬乱、忧郁的天才。'

法国画家 弗朗索瓦-爱德华.皮科特（François-EdouardPicot，1786-1868）《丘比特与普赛克》。

格罗（Baron Gros，1771—1835），法国浪漫派画家，肖像画《克里斯汀·博耶》《克里斯汀·博耶》。

雅克-路易·大卫《雷卡米埃夫人像》， 1800年。

这幅未完成的名作，是大卫职业生涯核心时期的作品。当时的他，作为拿破仑时代的官方画家，地位达到了前所未有的高度。随着 1800年的到来，催人奋进的大革命业已化作了回忆。大卫的作品虽然华丽宏伟、气势非凡，却也免不了遭到一些评论家的批评，被认为是歌功颂德的产物。不过，他的肖像画依然是其个性和风格的最有力见证，而这幅《雷卡米埃夫人像》便是其中最具影响力的作品之一。画中这位美丽的贵妇人显得优雅而温柔，她微微转过头来，将纤细而敏感的面孔朝向观画者。她的姿态虽然经过了精心设计，但却让人觉得格外纯朴。画面环境异常简洁，左侧那只细长的三足灯架成为构图和绘画空间内的重要参照物。强劲有力的笔触生动地描绘了靠垫、服饰和编织而成、闪现着光亮的鬈曲秀发，与罕见的简洁环境形成了呼应。

法国画家路易.大卫的《帕里斯与海伦的爱》The Loves of Paris and Helen，创作年代：1788年

讲的是帕里斯诱拐海伦的故事。

帕里斯是特洛伊的小王子，赫克托的弟弟。在去希腊的途中拐走了斯巴达国王墨涅拉俄斯的妻子海伦（神话中与三位女神的金苹果有关），墨涅拉俄斯于是找了他哥哥迈锡尼国王阿伽门农一起去攻打特洛伊，导致了特洛伊的覆灭和国王几乎全家的死亡。

弗朗索瓦·布歇《浴后的狄安娜》， 1742年画布油画 56 × 73 cm 1852年购买收藏

布歇是 18世纪法国文化与风尚的标志性艺术家，以放荡不羁和富于个性的风格创作了大量神话、性爱、情色题材的香艳画作，展现了盛行于凡尔赛宫廷的寻欢作乐、矫揉造作、充满诱惑的精神情趣。在凡尔赛宫，他是蓬巴杜夫人的宠儿，为后者绘制了许多美丽动人的肖像作品。尽管布歇在同时代人之中广受好评和赞赏，但到了新古典主义时期，却因作品被认为轻佻浮薄、趣味低俗而遭到了被埋没的命运，直至 19世纪中期才与同样活跃于路易十五统治时期的其他一些画家共同得到了世人的重新评判。布歇获得过皇家绘画与雕塑学院的罗马奖， 1728至 1731年赴意大利学习，潜心研究拉斐尔、柯勒乔和皮耶特罗·达·科尔托纳的作品风格，从这幅作品就可以看出那次意大利之行对他的影响。画中用金黄色描绘的女神裸体柔嫩细腻，具有柯勒乔的风格。这幅画是布歇的精湛画技尤其是绘制裸体的娴熟技艺的真实证明，证明了他不仅是一个卓越的色彩画家，而且是一个出色的设计师。。

《沐浴中的苏珊娜》，法国画家 吉恩－巴布提斯特·桑提尔(1651～1717)

此画取材于《圣经外典》中的《达尼耶路传》，这是一个迷人而有趣的宗教传说：从前有一美人，名苏珊娜，她嫁给一位巴比伦巨商约基姆为妻。由于她为人贤淑，秉性善良，丈夫非常爱她，她不仅生活优裕，且也忠于自己的丈夫。

一次，她在家中花园的水池里沐浴，被两个好色的长老暗中偷窥，他们想上前玷污她，遭到苏珊娜严词拒绝。两个长老怕苏珊娜向丈夫揭发而败露自己的丑行，便决意先发制人，诬告苏珊娜不贞。纠纷一直闹到埃及法老那里，苏珊娜终被定为死刑。

此事被先知但以理获悉，苏珊娜的冤情得到申张，两个长老也被判以烙刑。苏珊娜从此就成了希伯来民间故事中的贞女象征。

这幅作品塑造了一位体态优美，面容姣好的女性形象。画中苏珊娜侧身而坐，头部略微低垂，似乎她的视线正注视着水中自己美丽的倒影。她的右手正在擦拭身上的水痕，一条腿弯曲着，左手放在弯曲的腿上，形成一个优美动人的金字塔形。丰腴的肉体、洁白的肌肤令人陶醉，春情荡漾的脸令人震颤，背景是肃穆幽暗的古代大理石墙垣，弯曲地延伸远处，造成一种强烈的空间感，而偷看的两个老人，虽然还在点明主题，但故事性已消失殆尽。

法国画家让-费朗索瓦·德·特鲁瓦 (Jean-Francois de Troy 1679-1752年 ) 的作品

《埃利泽和利百加》(Eliezer and Rebecca),法国画家夸佩勒（Antoine Coypel 1661-1722) ， 创作于1701。

画的内容是旧约圣经故事《井边的利百加》。亚伯拉罕，为了给儿子以撒找一个好妻子，派遣他的管家，埃利泽（Eliezer）去“寻找合适的新娘”，在一口水井边遇到善良的少女利百加（Rebecca）供他饮水，埃利泽一眼就看中了利百加。    亚伯拉罕也很喜欢利百加，于是，以撒迎娶了利百加，他们生出和养育了著名的以色列（原名雅各）.

意大利画家米开朗基罗·梅里西·德·卡拉瓦乔（Michelangelo Merisi da Caravaggio，1571—1610）《好运》（又名《女算命师》）， 1594—1599年

吉卜赛女子一面为这位衣着华丽的小伙子解读手相，一面灵巧娴熟地退下他手指上的戒指。卡拉瓦乔就这个题材创作的另一幅作品，现为罗马卡皮托利尼博物馆收藏。通常认为，这幅作品是卡拉瓦乔抵达罗马后不久绘制的，当时的他欲借此画表明其颠覆古典绘画范式的创作倾向：“我叫住了一个正巧当街路过的吉卜赛女人，把她带到旅店，让她摆出给人算命占卜的姿势，给她画了像……我又画了一个小伙子，他将戴手套的那只手搭在佩剑上，另一只手脱去手套后递给吉卜赛女人，让她拿着仔细观察……”构图新奇大胆，画布材质、画面尺寸和光照效果完美契合，反映了卡拉瓦乔在学徒时期所受伦巴第艺术的影响和他对乔尔乔内绘画风格的掌握，但这些只是其创新内容的部分体现，因为他将以此作为序曲，开创一场诠释“绘画”本义的真正的艺术革命。在这幅作品中，可以看到艺术家在空间安排上表现出绝对的原创性，人物形象没有被局限在画面的任何一个平面之中。纨绔少年的佩剑和帽子上的羽毛构成反向对立的显眼的对角线，沿对角线扩展的形体传达了他自信与傲慢的性格特征。对比之下，吉卜赛女子的形象显得更为内敛和紧凑，从她那宽大而下垂的衣袖中伸出的双手就像拈花一般，散发着强烈的美感。

法国画家乔治·德·拉图尔《伊雷娜看护圣塞巴斯蒂安》，早于 1649年这幅画 1945年在布瓦昂泽赖的小教堂内被发现，被认为与 1649年吕内维尔城赠送给洛林大区总督的那幅《圣塞巴斯蒂安》同属拉图尔的同一组作品。拉图尔 1620年移居吕内维尔，并于 1652年在那里去世。这幅画既是他画过的最具挑战性的作品之一，构图中极为少见地出现了五个人物形象，同时又是他创作的最后几件作品中最著名的一幅夜晚场景。伴随着这种光线处理的是简洁的图案、纯净的姿态造型和朴素而有限的色彩运用。画面被一系列相互呼应和重复的形状赋予了节奏感：左侧那棵圣塞巴斯蒂安受刑时被绑缚于其上的树（或立柱）与右侧那位直立着的悲痛的女子构成了对照，而缠绕在树上的绳子的螺旋形状又为交织舞动的火焰所重复。在摇曳火光的映照下，一切都以慢动作进行，简化到极致的人物形体似乎仿效了立体派的风格，其雕塑感在火光中显得更加突出。悲痛的女子们如站在古典唱诗台的人，。这幅画 1945年在布瓦昂泽赖的小教堂内被发现，被认为与 1649年吕内维尔城赠送给洛林大区总督的那幅《圣塞巴斯蒂安》同属拉图尔的同一组作品。拉图尔 1620年移居吕内维尔，并于 1652年在那里去世。这幅画既是他画过的最具挑战性的作品之一，构图中极为少见地出现了五个人物形象，同时又是他创作的最后几件作品中最著名的一幅夜晚场景。伴随着这种光线处理的是简洁的图案、纯净的姿态造型和朴素而有限的色彩运用。画面被一系列相互呼应和重复的形状赋予了节奏感：左侧那棵圣塞巴斯蒂安受刑时被绑缚于其上的树（或立柱）与右侧那位直立着的悲痛的女子构成了对照，而缠绕在树上的绳子的螺旋形状又为交织舞动的火焰所重复。在摇曳火光的映照下，一切都以慢动作进行，简化到极致的人物形体似乎仿效了立体派的风格，其雕塑感在火光中显得更加突出。悲痛的女子们如站在古典唱诗台的人一般渐次升高，默默地“合唱”着这段悲惨的命运。

乔治·德·拉图尔《玩牌的作弊者》，约 1635年

年轻公子的面孔被光线照得透亮，象征着善良与无邪，同时也象征着沉迷于名妓提供的享乐、即将遭到戏弄者的天真与幼稚。与之构成对比的是作弊者的面孔，它隐没在半明半暗之中，是罪恶的象征。这幅著名的画作于 1926年被发现，标志着对拉图尔的生平及其作品的“日常”发掘工作的开始。画板的左下缘上署有画家的签名，然而其创作年代却众说纷纭。拉图尔所画的“玩牌的作弊者”这个主题，最早可见于卡拉瓦乔的作品，且为他之后的画家所频繁使用。除这个主题外，当时同样较为常见的浪子被女人骗光钱财的题材也被融入了这幅作品之中。画中齐集了 17世纪的道德观所认为最具诱惑的三种事物——女人、赌博和美酒，使观画者对此陷入了沉思。紧张不安的静止感笼罩着整个画面，并与一股奇怪的庄重感和讽刺意味相融合，令凝视得出神的观画者深深地陶醉于其中。完全黑暗的背景突出了精美绝伦的纯绘画部分，如长颈大肚酒瓶和葡萄酒杯这类静物，画面中央那位名妓服装上的细节，以及最右边年轻公子的哥萨克式上衣。拉图尔还画过另一个版本的《玩牌的作弊者》。在那幅画中，作弊用的那张纸牌不再是本画中的方块“ A”，而是换成了梅花“ A”。

乔治·德·拉图尔《油灯前的马达莱娜》， 1640—1645年

我们现在所欣赏的是拉图尔的一幅夜晚场景。他在职业生涯的后半段中，似乎转变了创作方向，越来越倾向于表现画中的这种光线效果，因为他能够从中促进和深化自己对人类处境的基本问题的思考。这幅画象征着空虚的俗世与崇高的精神苦修之间的对比，是拉图尔创作的马达莱娜题材画作中唯一一幅署名的作品。在被烛焰刺破的黑暗中，马达莱娜正在平静地忏悔苦修：她坐着，腰上扎着苦行带，两眼凝视着象征她所消耗的时间的蜡烛，右手轻抚着膝上的骷髅头。显然，她已经做出了抉择，选择从这个充满欺骗的世界隐退，过一种孤独而简朴的生活。拉图尔也从他的画作中消去了所有世俗的元素，代之以简约而谦恭的人物造型、朴素的色彩运用和精简的构图层次。

（介绍文字辑录于网上资料与《伟大的博物馆： 巴黎卢浮宫》一书）

（2019-03-04）