前面的话
原画
临摹这幅博斯查尔特的花卉，已经到收尾阶段了，晾干之后，重新检查修改一遍，就可以上光油了。这是第二次临摹博斯查尔特的静物，比第一幅复杂很多。虽然效果没有预想的好，但是我很高兴自己可以坚持下来。现将临摹过程中的一些体会记下来：
临摹中出现的问题总的来说是四个原因导致的：
准备工作不够；
对画材的不熟悉；’
技术有限+耐心不足。
* 这次的内容是平时日记本上的一些零零碎碎稍加整理，和大家分享，也给我自己留个记录。想到哪里就写道哪里，比较啰里啰唆的，也有很多地方词不达意以及知识型错误，还请原谅。
第一部分 关于准备工作
我没有搞清楚准备工作应该包括什么。本以为准备好颜料，画板，打印出来高清照片，再读一些技法材料书就可以了。其实还差很多。
准备工作主要围绕颜色来说。
原画的颜色与构图和谐、有整体感。要想在颜色上接近原画的水平，应该提前观察原画，没有提前的计划，一定临摹不好。
原画的颜色是温和的、流动的、清澈的、一处呼应另一处的，而我画出来的，一个是一个，直愣愣的，好像一块块拼接起来的，一朵朵的花谁也不理睬谁。
第一，原画色彩的和谐和画家的技术有关。
他可以让色彩和光线遵循自然规律。画画尤其是古典写实跟数学题有点像，是有对错的。要遵循自然的秩序，要每个细节都符合逻辑。而想做到这一点，画家本身要明白秩序或者逻辑是什么。
这并不是说，和直接画法相比较，古典绘画就刻板不浪漫。古典绘画一边遵守秩序，一边内敛的表现生命力。就像一个女孩，如果她穿着朴素的衣服站在田野里，手里拿着花篮，花篮里装满了滴着露水的鲜花，那这个女孩的生命力一目了然。可是，如果她的衣饰繁复，姿态规矩，那么这个女孩的魅力就要隔着一层层的外在之物去感受。不过，内敛和微妙都不代表着弱小，在我看来是更加强烈的。无论印象画派还是古典写实的画作，它们都不只是一个二维的平面，而是一个饱满的、立体的存在，画布或者画板上的东西只是我们肉眼可先的看到的一部分。
要想把秩序和大自然的规律搞清楚，比如一片叶子的纹路是什么样子的，光照在某种表面会产生什么样的光芒，就要观察，观察到了，还要有绘画技巧把观察到的表现出来。
另外，在画画之前，比如这个花篮，我应该尽量搞清楚这些植物都是些什么植物，可以找一下它们的图片，看看实物是什么样子的。
我的基本功不好。这不是一时半会儿能改变的，只能不断练习，practice makes perfect. 别灰心！
第二，颜色的流动感和各种颜色的排布有关。
画中哪里用什么颜色，画面中一共有几种颜色，一定是画家精心设计好的。画画跟盖房子一样，一处不和谐可能就会让整个画面的结构坍塌掉。
对于色彩斑斓的花卉静物来说，颜色的安排尤其重要，不然会非常的凌乱。这幅画中，紫色，红色，粉色，蓝色，绿色，白色，黄色没有互相干扰，粉色有粉色的旋律，白色有白色的旋律。
第三，让颜色和谐不能依靠减弱颜色的特点。
把每个颜色都调的灰蒙蒙的，放一块肯定谁也不影响谁，可那样就丧失颜色的魅力了。群青就要像圣母的衣裙上那样纯净，黄色就要金子一样闪闪发光。
所以，罩染的时候尽量少调色，如果需要紫色，就用蓝色罩一层红色，总之，色层越干净越好。颜料种类不需要多，但是质量一定要好，下幅画自己用色粉调颜料试试。
这里有一个问题，如果每种颜色都很鲜艳，那放在一起不就乱套了吗？事实上那些经典的花卉静物（这篇心得说的范围只是十七世纪荷兰静物画）颜色都是是纯正华丽的，但是画家都可以通过调整光和色来让复杂的颜色和平共处。怎么说呢，就好像一个小世界，健康的方式不是让每个人都丧失个性来达到安宁，而是尽可能的让每个人都保持个性和魅力。好像一首复调，合理的排列起来就可以达到和谐。
要想颜色浓郁华丽一定注意用油，不要为了保险就把颜色的透明度调的太高，这样画出来的效果非常的寡淡，油腻腻的。一幅画上不是说用的颜色越多越好，比如乔尔乔内那幅《老妇人》可能只用了五六种颜料。同样，罩染层太多也没什么用，在达到自己需要效果的前提下，尽量的少，越多越脏。明明罩染三层就能产生理想的效果，非得罩染十次，那只能说手艺不行。大胆点，别跟街口卖栗子的老板一样，每次最后都一颗栗子一颗栗子的添，添到正确的重量为止。这说明什么？说明他业务不行，对重量不熟悉。
乔尔乔内，老妇人
第四，用光。
画作的神圣感很大程度上归功于构图和光线。色彩的流动感来自于光的流动，这个要多练素描，多观察。仅仅符合自然界光的规律是不够的。因为，即使照片上的光肯定和实际的光一模一样，可是，看起来不会有画作中光线的神圣、内敛和轻盈感等等（这里说的普通照片）。这个有点说不清道不明，只能慢慢练习。画中的光藏着那个时代和那个时代的画家的灵魂，是很难模仿的。画画的人要有自己的灵魂，没有自己独特的认知和感受就不会有自己独特的光和色。
*有一个用光高手，就是威尼斯的提香，之前有两篇关于提香在他的一幅经典作品中如何运用光和色，有兴趣可以点击查看：
第五，底稿的问题。
要表现出光的层次就涉及到一个技术问题。我的临摹颜色不透亮，颜色不透亮就画不出花朵的蓬松和花瓣柔软以及花瓣的轻薄，光就不能穿透花瓣，花瓣的亮度就只能体现为反光。当然了，有时候需要追求某种质地，那就另当别论。
不透亮的原因是底稿颜色太深，太脏。我在画板上用黑色、白色和burnt umber画出底稿，为了保证型的准确，就尽量让底稿完成度高，暗的部分很暗，这样是不对的。因为这样的话，下面的灰色对上层影响很大，无论上面如何罩染色彩，都达不到要的效果。比如暗红色，就不会是浓郁的红色，而是透着黑的红色。所以，下次底稿一定要淡淡地画，画地干净，通透。
原画的花篮是非常有透视感的几何形状：花篮是一个圆柱，上面的花朵部分像一个半球体扣在柱子上，花篮周围的桌面上的花朵构成了圆形。这种背景是黑色的画，就是要产生一种向后的延伸感。原画给人的感觉就是花篮逐渐被黑暗吞噬掉。前后非常的有层次感，最前面的，花篮边缘的，花篮中心的，花篮里面看不到的部分，层层向里延伸。但我画的呢，就在一个平面上。
要解决这个问题，除了光的表现要继续练习之外，还要注意底稿的绘制。不要着急画出所有的内容，先搞清楚视觉上前后有多少个层次，然后一层层的添加，多分一些层次，那种层次感不只靠罩染就能产生，底稿本身才是关键。
第六，忘了一件重要的事情，下次临摹之前先拿一个小画板，把需要的颜色都调出来。画中相邻的颜色放在一起，看他们待在一起是否协调。另外，先按照画作画出素描，观察明暗，然后再临摹。
第七，关于金色，以及颜色对比。
前段时间国博有个画展，我忘了那个主题是什么了，就是镇站之宝是安格尔的《朱皮特与忒提丝》那次。有两幅相邻的画作中的女子都带着金首饰，如果不对比的话，都很漂亮，但是一对比，其中一个就差了一些，当然可能是因为时间久了颜料变色了。
对比中那个金子光泽表现更好的是因为画家对颜色间对比把握的好。他知道如何用各种深深浅浅的黄色表现出最漂亮的金色，这里我也不知道怎么表达，就是说金色本身不是画出来的，而是对比出来的，就是因为这样，才很难把握。就好像以前看到过伦勃朗的一幅画，画中老妇人的衣服朴素，白色的布料占很大部分，伦勃朗用各种不同的颜色来表现白色，简直太神奇了。
在这种荷兰静物画中，对器皿或者其他物体上的光泽的表现非常重要，比如玻璃，比如金属，等等。上次临摹的的博斯查尔特的画就遇到了这个问题。
博斯查尔特 花卉 原作
我的临摹（送给我妈妈的礼物~♥︎）
跟原画放一起瑟瑟发抖
* 蓝色的小蝴蝶是我在另外一幅画上看到的，觉得很漂亮，就搬到这幅画上了，不然右边太暗了，画上这个蝴蝶增加一些空间感。
那朵金色的郁金香应该是全画里最漂亮的部分，虽然它的位置靠后。我想把它画的非常有光泽，但是因为底稿的颜色太重，无论罩染什么颜色都显得暗沉。在底稿没问题的基础上，原画中郁金香的光泽就是对比出来的，这就需要画家对颜色有天赋，还要有丰富的经验。
这幅临摹我犯了一个低级错误：开始一直根据照片临摹，照片的质量很差，背景黑糊糊的，当我意识到这个问题的时候已经不知道怎么修改了，结果空间表现不出来，前面的静物跟后面的背景分离不开了。归咎于照片质量差听起来很好笑，但是一定要注意这个有点愚蠢的错误。就像疯狂的石头上面，那个盗贼去买绳子，最后到了实战，发现少了一尺，傻眼了，功亏一篑。
这幅临摹用的画布，我自己绷好上了涂料。不知道为什么画面上出现了一些小颗粒。总之，准备画材要很认真，因为后期的努力都建立在这些物质基础上。
原画里叶子上那个正在往上爬的小虫子对于整幅画来说非常重要。这幅画是送给我妈的，我妈问我别画那个虫子行吗？我也害怕虫子，就没画哈哈，右边画了一个蓝色的小蝴蝶，但是小蝴蝶是代替不了虫子的作用的。
比如，小虫子往叶子尖蠕动，它可以引领人的视觉，并且这种引领是有动感的。它爬上去的结果是什么？叶子跟着晃悠，说不定还会掉下去。所以，叶子尖尖的部分好像一个即将上演好戏的舞台。
除此之外，那片叶子的颜色很暗，虽然原画背景比较浅，叶子的轮廓很清晰，但对比度依然不强烈。有了这个带着银白色点点的虫子，叶子就明明白白跟后面的空间分开了。
第二部分 关于画材
触目横斜千万朵
赏心只有两三枝
（选颜料的时候多想想这句诗）
II. Andante內田光子 - Mozart: Complete Edition Box 9: Piano Music
花蓝左边的倒放着的粉色花朵，我用的镉红色，每次画完觉得挺好，但是过几天就会变得有一点点灰；
画到一半的时候我装上画框看了看，发现整体颜色非常的灰，在金色画框的映衬下就更灰了。用了那么多色彩颜料，还不如一个画框耀眼。回想一下，我总是把颜色调的很透明，这样有了问题好修正，但这样，一是用油的方法不正确，会导致用油过多，二是前面写的，会让颜色显得脏而寡淡。
下面是这次临摹用到的颜料：
Cadmium red medium（梵高，下次换了）
Vermilion （温莎·牛顿）
Permanent madder deep （伦勃朗，伦勃朗的盖子是怎么回事，用几天就盖不上了，好几管都是这样）
Cadmium Yellow Pale Hue （温莎牛顿，下次换了）
Titanium white （老荷兰）
Zinc white （老荷兰，人家老荷兰就是好，妥妥一大坨锌白）
Ivory black （老荷兰）
Burnt umber （伦勃朗）
Green earth （老荷兰，比梵高的土绿颜色要正，不过很奇怪的感觉，换其他牌子的试试）
Indian yellow （梵高）
Ultramarine blue （老荷兰）
Colbalt blue （温莎牛顿）
用到的油：
Oil painting medium C1107，老荷兰
罩染调色膏，一个网店买的，等我自己会自制了，告诉大家制作方法
松节油，美利
我是个很笨的人，经常想出一些笨办法（但往往很有用~），想了解颜色，找两三个常用的颜料和油的网站，然后把这些牌子生产哪些颜料和油看一遍。网站上有每个颜色的详细特性，了解这些颜料的特性，这样对市场上卖颜料有个整体印象，然后再慢慢试用。调色油方面，网上有一些卖手工调色油的商铺，他们会在每款调色油下面大概写出特性和配方，虽然不会完全写清楚，但还是可以帮助了解调色油的。调色膏非常重要，多试几种。
这些网站店铺真的信息量很大，我看了伦勃朗的官网，把所有油画颜料特性都抄了下来，虽然有个鬼用抄完就忘，但好记性不如烂笔头嘛！
带着槐花花冠的圣母：）
技法书。如果前人把经验都总结下来了，自己还懒得看，那就说不过去了。把梅耶的《美术家手册》和多奈尔的《欧洲绘画大师技法和材料》仔细的看明白。
临摹这幅花篮用的画框，用的1cm的板子和3.5cm的框，加起来4.5厘米厚。然后，各种加固，不把画框打造成诺基亚那么结实决不罢休。不过买画框的时候就郁闷了，一般画框是很浅的，我买了一个1.5cm深的框，最后会突出来一截子。
这次画最大的问题就是，钉画板的时候，没把钉子完全砸进去，画板表面有钉子帽的痕迹。我爸给我出了个主意，先把钉子帽砸扁（用那种修鞋的小台子），然后钉子帽就变成了刀锋状，应该就可以完全钉进画板里，然后用腻子磨平就行了。不知道行不行，下回试试。
这是第一次做坦培拉画板，开始感觉很成功，结果一觉醒来，右下角裂了两个缝子..
第三部分 关于耐心以及一些感想
耐心才能带来技巧的提升。耐心就是，想凑合的时候，深呼吸，保持原来预想的质量。看着时间一点点流逝，内心无论多么恐惧、焦躁，也要按照原计划完成任务。
好作品无论你怎么凑近了看，放大了看，都禁得起推敲。别总是“远看是那么回事儿”就满足了，拿放大镜看也找不出错误才是本事。
这并不是说荷兰十七世纪的静物画像精密仪器一样。那时候的静物极致的华丽和精致。华丽到矫揉造作，精致到有些病态。仿佛，一个人只在乎感官刺激，拟把疏狂图一醉，过着醉生梦死的生活。其实，不是这样的，精致的外表是一种严苛秩序，约束着画作的灵魂。外表从来不是一种肤浅的东西。
这些静物画既谨慎地写实，又浪漫地概括，比如下面这朵花，明明拿放大镜都找不到破坏秩序的细节，明明如此真实，却像个梦幻般的诗意符号。但是，画家们就是能同时表达两种极端的概念。
第四部分 细节笔记
编号图
明暗分界线
III. Rondo - Allegro (第二乐章 广板)內田光子 - Mozart: Complete Edition Box 9: Piano Music
我给这幅画的每个部分都编了号，上面是这幅画的原作，里面有32个序号。下面是关于每一个序号所在部分的临摹中具体心得体验。我也不知道算不算心得体验，反正就是想让自己留意的一些事情。
NO.1
这幅画里造型最优美的两朵花就是左上角的1号和右下角的9号，成对角线，而且两朵花是向两个相反方向开放，增加了画面的张力。
这朵花很难画，白色要画出像珍珠一样的光，像白绸缎一样。底稿不要画上面的黄色花纹，或者浅浅的画出来。不然在灰色上面罩染黄色会显得很暗。
花瓣从中心向两边，从厚到薄，要学会表现这种质感。
这是一种鲜艳又温和的橘色。
NO.2
花瓣的边缘有一条线一样的光在流动，要非常细致的去画。
最难的地方是花蕊，每一根花蕊都不能用同一种黄色来画，花蕊画的好，那一圈花蕊是这多画最有魅力的地方。
粉色是一种很难画的颜色，画不好会很肤浅，很冷。
NO.3
这种蓝色要浓郁稳重，因为它和右上角的16、29以及26附近的小蓝花互相呼应。
在这幅画中，蓝色虽然不起眼，但是画家在构图上让他们处在一个圆上，圆里面是浅色的鲜花。感觉上就像一个金色头发的姑娘，戴了一个深蓝色的发带，可以在颜色上平衡。
这种深色的花上面的光也很难掌握，浅了看不到，重了好像反光一样。
NO.4
这朵花本来不想画，在这个空地添个别的什么东西，然后发现好像不太现实，后来又添上了这多康乃馨。但是不管怎么改都和其他的格格不入。
这种花纹看到就发憷，要小心的画，但笔触还要很随意。
NO.5
这个蜻蜓泛着金属光泽，怎么把蜻蜓的光泽用不同颜料对比出来是关键。
最漂亮的部分是翅膀，也是最难画的地方。
金属的光泽和轻薄的羽翼让蜻蜓成为这幅画的一个亮点。要想表现这两种魅力，一定要把它的背景画好，背景平面应该有充足的光照。背景完全画好之后再画翅膀和腿。如果背景暗，蜻蜓就会缺乏存在感。
NO.6
如何如何表现白色的层次感，如何表现光透过白色的花瓣。
NO.7
这鸟一样的蝴蝶..
这个蝴蝶和旁边那朵白花放在一起可以产生以下两个作用：
1 暗色和亮色的对比。
2 这个花篮里粉色、紫的、黄的什么都有，需要平衡这种凌乱。除了3、16、26、29这个蓝色组合以外，6和7的组合也起到了更大的作用。这个组合里白、红、黑三种稳重颜色放在前景，令画面无论从构图还是色彩感觉上都非常的稳定。
3 这还是一个几何组合：圆形&三角形。
看看蝴蝶标本或者蝴蝶照片插画，找找自己喜欢的蝴蝶，以后画画的时候一定会用到的。我现在看到的画上的蝴蝶中，最喜欢的就是上面那个小蓝蝴蝶~
NO.8
这是整幅画中最重要的部分，比左上角的1号花朵更重要，因为它在前景，而且完整。
这朵花我画的很失败，底稿上就画上了红色花纹，以至于罩染后红色是暗红的，黄色也透着灰。
这朵花的红色花纹的笔触要求类似于4号那朵康乃馨。
NO.9
珍珠的光泽。小花花这么小，要非常耐心才能控制好光在上面的变化。
NO.10
画好不同的绿色是每一幅花卉静物的困难之处。不同的绿色可以产生很多对比和冲突，比如干枯与鲜嫩，远与近，还有不同植物表达鲜嫩的绿色肯定是不一样的。要提前计划好，打个草稿，调出颜色试试。
NO.11
花瓣非常薄，花瓣之下都能透出下面的花瓣，上面那一个花瓣还能透出后面的黑暗。因此，不能整个画成白色，要在灰色的底色上轻轻慢慢的添加白色。
NO.12
这朵花是画完篮子之后才能往上画的，不然是不能画出花瓣微微透明效果的。所以，先画哪个后画哪个一定要计划好。
NO.13
这幅画中我感觉最难画的一个，不多说这个了，看到这个就心累..
NO.14
要精细，比较难画的是左上方的那个底子（那个叫什么不知道..），要非常细心的勾勒，因为那个细细的区域有丰富的颜色、明暗与线条变化。
NO.15
这个没什么好说的，最考验技巧的是下面中间那朵没有细节、只有剪影的小花。
NO.16
这个要非常有耐心，除了细节繁琐以外，每一个花瓣都有自己接受光照的角度，虽然复杂，但光的规律是不变的。
NO.17
这朵花最难画的地方在花瓣的边缘。是非常没有规则的，而正是这种感觉才能表现出这朵花的娇嫩，薄，还有边缘卷卷的那种感觉。
这朵花处在明暗交接处，它的左下方是非常亮的，右上方在暗处。要掌握好。
NO.18
问题同6号。
白色真的很有魅力，怪不得有些画家画白色上瘾。
NO.19
这个毛茸茸的小蜜蜂难画的地方有二。一是金色，二是它那毛茸茸的感觉。
NO.20
总体参看16。这个的花瓣更加蓬松、娇嫩。
NO.21/NO.28
这朵粉花是这幅画里最简单的地方，也是这幅画最奇怪的地方，不但光线感觉不对劲，型也不对劲，不知道是不是变色了或者别的什么原因，还是画家故意追求这种效果。
上面的小蝴蝶给这幅画增添了很多魅力。编号图下面那张图上的箭头蓝线就是这幅画的大概的明暗分界线。
明亮部分物体的存在感只需要描绘它们就可以实现，不需要特别的强调。而暗部分的层次感、空间感要用一些亮光来提示观众。起到这个作用的三个主要部分分别得是8号、9号和28号。有了它们，花篮在黑暗中的部分才会显得饱满。而物体本身，比如这个金色的蝴蝶也会因为明暗对比显得非常漂亮。
NO.22
这朵画总的形状是很好画的，难点有二，如下：
1. 这朵花处在蓝线右上方，也就是暗部紧邻亮部的区域，所以它既要颜色相对鲜艳，又要明显表现出它在暗部，简单来说就是让人一眼感觉到它在白花的后面。这朵花对于表现花篮上部这个半球形很重要，因为它是一个表达球面拐弯的地方（很多地方说的不专业，尽量表达我的感受）。
2. 花瓣上有细密的纹理，画的时候需要非常细心。
NO.23
这个小灯泡比较难的地方就是，它在暗部，同时却位于中轴线上，是暗部的亮点。
NO.24
上面那两个有弧度的花枝给貌似杂乱的上部增添了优美和秩序。好像观者轻轻移动一下位置，光也会跟着流动。
这个花朵也比较难画，因为它是能看到的最靠后的花朵，和23号一样，如果明度和饱和度处理不好，会让后面的部分翻到前面来。
NO.25
暗部叶子..不好画..
NO.26
这个地方是整幅画最杂乱无章的地方，但画起来并不难，耐心就可以了，另外注意一下明暗递进。
NO.27/NO.29
紫色的小灯笼和蓝色的小章鱼画起来差不多，蓝色的更亮一些。因为一定程度上这串兰花是花篮的一段边界，处在边界上的东西要能收的住观者目光才行。
蓝色右下方还有一组叶子，但是这张图片看不清楚，下次画画选择图片之前，一定要检查有没有看不清的地方。
NO.30
这个篮子要注意两点：
1. 光在一根根交错的藤条上的表现。
2. 如何罩染出一个合适的颜色。
NO.31
不知道这种感觉是怎么画的，临摹的过程中犯了一个错误，就是先把蜻蜓画完了，现在修改平面就不好改了。所以先画哪里后画哪里一定计划好。
NO.30
暗部是有丰富层次的，想想如何表现。
结尾的话：耐心+勇气+一颗诗意的心
虽然，暂时在有些问题上力不从心，能看到问题，却没有解决的能力。但是，知道问题在哪里，将来就有弥补的可能。总而言之，画画这件事情，路漫漫其修远兮，吾将上下而求索。要明白一件事情，无论多么热爱画画，从一个外行到成为一个能画出让自己满意的作品的画家是需要时间的，要不断的画，画的时候不断的思考和反省。苟日新，日日新，又日新。有些话听起来只是简单的道理，但做起来要有强大的意志力和意愿。
2019年就要到来了，我想等农历新年之后再临摹博斯查尔特的另一幅花卉静物，在那之前练习素描：静物素描，临摹《巴尔格素描教程》以及头像素描。
不知道大家看没看过《巴尔格素描教程》，强烈推荐！这是我用过的最有用的素描书，我已经临摹完第一章雕像素描了（第二章是头像作品，第三章是人体，设置非常合理）。全书没一句废话，不需要理解文字性的东西，就是临摹，一张张的画，画的时候感受素描。教程上说：即使你不知道你在模仿什么，也请认真地坚持下去。反正我是相信了，我觉得临摹完整本书之后，一定会在技巧和审美上都有很大进步的。这本书很厚，内容很多，要慢慢来，不能着急。
这是临摹的巴尔格素描教程第一章的一幅素描
