这次北京电影节，一共抢到了13场电影，大多是在电影资料馆。
记得第一次去电影资料馆，是5年前，看的是《城南旧事》。过程很是难忘，最让我惊讶的，是正片结束后，没有人起身离开，大家一起盯着白色的字幕在黑色的背景上滚动，直到屏幕熄灭，灯光亮起，最后全场掌声雷动。
这是我在影院里，从没有过的观影经验。
于是回来后，兴奋地向朋友转述，不想朋友不屑，只给了一个字的评语：“装！”
我一时语塞，不知怎么回应。最后憋出了一句：“一个人装，是矫情；一群人一起装，那叫仪式感。这不一样！”
如今，5年过去，我觉得当时的这句话，很有道理。
电影节当真是一场影迷的狂欢。
不过，要想加入这场狂欢，代价也是不小的。
除了钱和时间，最耗费的是精力。拿我来说，在过去的两周里，我几乎每天晚上都有一场电影，这可真是个体力活儿。
尤其是工作日，六点半的电影，我六点下班后，就得一刻不停地赶到资料馆候场，电影结束后再吃晚饭，到家已将近十一点。
这是抢票的时候，根本无心多想的事情，那时候只有豪情万丈，哪还顾得上眼大肚小。
而精力透支的后果是，三谷幸喜的《魔幻时刻》，直接被弃。
那天实在是身心俱疲，于是一咬牙一狠心，老子不去了。不过一觉醒来，还是挺后悔的。
还有，看《新哥斯拉》的时候，睡了四次。
你能想象吗，哥斯拉摧毁东京的时候，那么吵，我竟然睡得下去。
不过，在仅有的几段清醒的时间里，我还是看清了哥斯拉的样子，怎么说呢，特别像灯笼，或是那种水彩画的大风筝。不信看图：
下面说说我认真看的11场电影，都留下了哪些难忘的瞬间。
第一场是是枝裕和的《无人知晓》：
最近真的超爱是枝裕和，但可惜只抢到了这一场。
我只能想象如果在大屏幕上看《步履不停》和《比海更深》时，该是怎样的心潮澎湃。
是枝裕和的电影，有一种“日常的力量”。
影片中的很多情节，我们在生活中都亲历过，只是当时身在其中并未在意。
而是枝裕和却把这些穿梭在时间洪流中的“日常琐事”，紧紧抓住，并用一段格外庄重的时间去呈现，结果特别有味道。
在《无人知晓》里，最震撼的瞬间是小女孩的“死”。
在是枝裕和的电影里，死亡是绕不过去的母题，但他的镜头又在有意的回避着死者。
他并不想过分消费死亡自带的煽情属性，而把它看作生命的必然过程。
画面中，我们只能看到小女孩细嫩冰冷的手和模糊虚焦的脸，之后她被装进了一个旅行箱里，因为哥哥要带她去看飞机，那是她生前的愿望。因黑身份而足不出户的她，甚至连像样的愿望也提不出，这或许是仅有的一个。
接下来看了安东尼奥尼的“现代爱情三部曲”。
说实话，我不太喜欢安东尼奥尼的作品，总感觉他的电影里，有一种作天作地的自我陶醉感，过于文学性的表达，让人无法亲近。
但还是有些片段打动了我。
《奇遇》是三部曲中有明显戏剧性的一部。
女人的失踪，象征着莫名消逝、无迹可寻的爱情。
最美的是构图，人物多偏离于画面中心，让位于自然和建筑，输给更隽永的存在；再者就是忽而亲昵的特写，忽而疏离的远景，将爱情中的男女若即若离，热情的转瞬即逝，做了非常视觉化的表达。
如果说奇遇或邂逅是葬送爱情的第一种方式，那么时间则是第二种。
正如《夜》所表达的那样，他们原本相爱，天光大好，只是夜来了，没人可以抗拒。
最难忘的瞬间当然是结尾，女人给男人读一封炙热的情书，男人听得入神，问：“谁写的？”
女人回答：“你。”
《蚀》最最牛逼的，当然是结尾长达八分钟的空镜头蒙太奇，将男女主角约会的地点做了全方位时空的展示。
可是，我们期待的街角相拥始终没有出现，他们通通失约了，只剩下了空聊的街道和静静流干的水桶。
那些他们爱情的象征符号，此刻全都站在了爱情的反面，成为了失去的象征。
看过了《爵士春秋》，就会发现把《爱乐之城》叫做歌舞片，是有点牵强的。
歌舞片要看歌舞在片中的占比，以及承担多大的叙事作用。
显然，《爵士春秋》才是一部标准的歌舞片。
而用三段歌舞，来办一场生命告别式的想法，也足够惊艳。
一场完美的谢幕，然后可以去死了。
《日瓦戈医生》，197分钟，却一点也不嫌长。
史诗级的故事格局，战争、政治与爱情的纠葛，更是永恒的话题。
印象最深的，是一个工人罢工的画面。镜头俯拍，从远处拉近，从一群工人的身体聚焦到一个工人的脸，那种从抽象到具体的视觉表达，将革命这个空泛的词汇，诠释为一个个个体的抗争，非常传神。
当然，每个音乐响起的片段，都格外深情，让我无法忘怀那个不断出现的旋律《Lara's theme》。
三谷幸喜的《有顶天酒店》，很欢乐的贺岁闹剧，全场笑翻了。
在这样一部封闭空间的搞笑群戏中，导演依然不忘在场面调度上展现自己的电影性。
片中有大量的长镜头，多人出镜入镜，好戏不断，在设计上确实花了巧思。
印象最深的，是那个丑闻缠身的国会议员说的一句话：“从今天开始，我就是全世界最不要脸的男人。”
做自己，有时候确实需要很大的勇气。
当男主角见到董夫人的女儿，脱口叫出“董小姐”时，全场大笑。
不想这句四十年前的台词，在此时已有了别的意味。
片中的董小姐并不是贪恋草原的野马，她的母亲董夫人因守寡多年，被皇帝赐予了贞节牌坊。可这牌坊，却成了枷锁，让董夫人见到心爱的男人，也只得隐忍。
片中最好的表达，是工匠雕刻贞节牌坊时的叮叮当当声，交叉剪辑着董夫人在爱情面前的纠结，那种心乱如麻的声音所形成的压迫感，与贞节牌坊所代表的礼教对人的压迫，形成了巧妙的互文关系。
不过，《董夫人》比起费穆的《小城之春》，还是要差不少。《小城之春》更轻盈，更少戾气，更有诗意。
这部电影是和苦天乐同学一起看的，我俩都爱电影，都写影评，神交已久，终于在《曼哈顿》里见面。
见了面，才知道此君果然名不虚传，是个侃爷，跟他聊天特省心，不用担心冷场，这让我这个患有中度社交恐惧症的中度孤独症患者，很是惬意。
《曼哈顿》，我俩都很期待。影片依旧是伍迪艾伦式的神经质嘴炮，充满了对中产阶级虚伪无能又自命清高的自嘲。
全片聒噪，但最后突然安静的那一刻，特别珍贵，也格外动人。沉默十秒，女人对男人说，我还是更爱另一个男人。
那一须臾锥心的安静，我想我会永远记得。
影片《我是布莱克》非常“肯·洛奇”，写实主义，对社会压迫个体的始终关注，老爷子犀利仍在，只是多了一些温情。
很多人说这部电影所披露的社会现实，比起中国来，实在差远了。我总觉得，这样说不好吧，毕竟电影不是选秀节目，难道大家还要比惨不成？
站在肯·洛奇的视野里，他想要完成的批判，我觉得很干净利落的完成了。
尽管我知道他在用非常恰到好处的煽情技巧，催人落泪，但还是很难抗拒的中招了。
这是本次北影节，唯一的一次落泪，为一个叫布莱克的59岁的患有心脏病的木匠。
影片结束，带着略显沉重的心情，走出影院，对面就是游戏厅，女孩们正在跳舞，男孩们开着赛车。
只有我，和身边的T小姐，还在为布莱克难过。
最后一部，是大卫·林奇的《橡皮头》。
这是这位精神病导演的处女作，果然从一开始，就很精神病。
真的很难喜欢上这位导演，他太疯狂了，远远超出了我的承受能力。
有人说看大卫·林奇的电影，除了催眠，就是催吐，真的是这样。那已经不能用恶趣味来形容了，简直就是恶（恶心的恶）趣味。
影片对男人“性焦虑”的暗示非常大胆，毫不掩饰。
畸形的婴儿、满身癞疮的男人、双腮长瘤的女人……性的膨胀和压抑让这个男人的世界，彻底崩塌了。
在大屏幕上，看这样一部电影，视觉震撼力还是很足够的，虽然心里不是那么舒服。
2017年的北京电影节，就这么结束了，但在电影资料馆看电影的日子，还远远没有结束。
很幸运，现在的公司离电影资料馆只有1公里的距离；很幸运，公司的门口总是摆满了一辆辆共享单车；很幸运，还有这么一个珍视电影的地方，可以给所有爱电影的人一个向电影致敬的机会。
这里的每一场电影，从关闭手机开始，以满场掌声结束。我喜欢这个地方，它让我想起《小王子》中的狐狸对于“仪式感”的定义：它使某个日子区别于其他日子，使某一时刻不同于其他时刻。
